Músico, productor, mezclador, técnico de directo y propietario de los estudios Micromaltese. El perfil de Marco Morgione es uno de los más valorados en la escena de Barcelona. Ha trabajado con grupos como El Guincho, Delorean, Za! o Lasers, y gracias a ello se está convirtiendo en “productor de confianza” para aquellos artistas que mezclan electrónica con música orgánica. Aprovechando que edita el quinto disco de su proyecto Linn Youki y que acaba de cerrar una fructífera etapa produciendo a varios artistas de primer nivel, quedamos con él para hablar sobre sonido, creatividad y algunos de sus discos favoritos.

Tú vienes del hardcore.
Más generalmente del rock, sobre todo alternative, grunge, post-rock etc., y cuando tenía veinte años odiaba la música electrónica. Todo lo que no venía de una guitarra, un bajo y una batería no lo toleraba. Pero hubo un grupo que cambió mi percepción. Fueron The Notwist y su álbum Shrink. Desde ese momento me enamoré de la idea de combinar electrónica e instrumentos orgánicos.

Es un terreno infinito.
Hay otros discos que también han sido fundamentales para mí. Uno es el Standards de Tortoise y el otro es The Private Press de Dj Shadow. Ambos representan dos maneras diferentes de entender e interpretar la electrónica con elementos orgánicos.

El último disco de Linn Youki es el más electrónico de todos.
Es un proyecto personal con intención de grupo y muchas veces he dependido del resto de músicos a la hora de afrontar una grabación. Éste álbum lo empecé yo sólo, y lo basé mucho en bocetos de Reason que luego fueron creciendo cuando volqué las muestras en Digital Performer. Como siempre fui experimentando, aunque ésta vez quizá más que nunca.

¿Y eso?
Quería probar cosas nuevas, darle una vuelta de tuerca a todo. ¿Qué esto no se puede hacer en una canción? Pues lo hago. También he jugueteado mucho con todos los instrumentos, sintes y aparatos que tengo. Es importante pasarlo bien mientras haces un disco.

¿Crees que es necesario saber solfeo para hacer electrónica?
Ayuda, pero no es algo fundamental, de hecho yo casi siempre voy a oído. Dejé de hacer clases de guitarra porque me limitaba: hacía un acorde de DO porque sabía que sonaba bien. Haces un DO y luego un LA porque ya sabes que suenan bien, y eso es pereza. Lo más importante a la hora de hacer un track es sentirlo. No hablo por todos, pero a menudo la técnica es un signo acomodaticio, porque haces cosas que sabes de antemano que suenan bien pero no necesariamente expresan lo que necesitas sacar.
 
Está claro.
La música que haces ha de emocionarte a ti mismo. Tomorrow Never Knows es quizá el primer tema que llegó a sorprenderme de verdad de los Beatles. Y es únicamente una nota. No hace falta saber música para tocarlo. Es todo el rato un DO acompañado de un ritmo que les salió por accidente y una melodía. Es un tema muy inspirado y adelantado a su tiempo. Los Chemical Brothers lo han usado y sampleado hasta la muerte.

La base es jugar en el estudio y capturar las ideas.
O jugar con tu feeling.

Es difícil entrar en ese momento, porque muchas veces estás absorbido por el día a día.
Si te das margen y tiempo, te van a salir las cosas mejor. La creatividad necesita vacío. Del vacío nace todo, necesitas estar relajado y tranquilo, por lo menos en mi caso, para hacer música. A mí cuando me suelen salir más ideas es en verano, que es cuando no tengo tanta carga de trabajo y estoy con la mente despejada.

¿Ese vacío lo necesitas también cuando produces a una banda?
Sí, aunque es diferente porque en este caso tiro mucho de experiencia y una banda ya tiene muchas ideas de base. A la hora de producir a un artista ya cuento con un bagaje: todas las cosas que me han pasado a mí con mis proyectos y grabaciones anteriores. El input, el feeling, ya me lo da el grupo. Si los temas te llegan es que la cosa va bastante bien. Si no te llegan quiere decir que hay un problema. Y has de buscar soluciones. Siempre les propongo soluciones a los artistas.

¿Y si un artista trae un disco que es un desastre pero cree en él?
Cada grabación depende de muchas circunstancias, pero yo no miento, siempre doy mi opinión: ‘Esto puede funcionar mejor así, cogería a otro batería, pillaría otros músicos, este tema lo enfocaría de otra manera…’ Si el grupo esta receptivo, bien; si no, es lo que quiera el artista.

¿Cuáles son tus productores favoritos y por qué?
En líneas generales no me caso con los productores sino con el trabajo que han hecho en un momento determinado. Hay productores que han hechos cosas increíbles, pienso en Dave Fridmann, que ha sido un tío siempre muy regular. De él me encanta el primer disco de MGMT. Aunque también tiene otros discos que no me gustan tanto, porque ahí entra en juego el discurso de la banda. Otro de mis preferidos, que me gusta desde siempre, es Steve Albini. Me encanta su forma de grabar y el sonido que saca a las bandas, que es muy natural y potente.

Ahora que hay tanto laptop en los estudios, ¿crees que sonar digital es bueno o malo?
Depende del artista, su concepto y su sonido. Sé de productores que trabajan con plugins pero luego se van encima de un terrado, graban el aire y lo ponen de fondo. Yo creo que el componente orgánico, real y natural siempre es importante. Tiene que haber algo en la música que reconozcas de la naturaleza, algo que tus oídos estén acostumbrados a oír. Y es algo que veo aplicable tanto al techno como al pop electrónico.

¿Qué recomendarías a un productor o una banda en el proceso de grabar un disco?
Qué busquen un sonido distintivo y que basen su discurso en ofrecer algo. Qué analicen sus puntos fuertes y los potencien en el disco. Puede ser solidez compositiva, energía, firmeza, inspiración, frescura… Me he encontrado muchos artistas que asumen la tarea de grabar un disco y sólo traen las canciones, pero no tienen ni un discurso claro ni un concepto definidos. Creo que además de buenos temas un disco ha de expresar muchas más cosas.

¿Cómo hacer un buen disco?
No hay reglas universales, con inspiración y pocos medios es posible sorprender. Hay que buscar el factor diferencial. Hay que arriesgar. Los grandes discos han sido los que se han adelantado a su tiempo y se han hecho con pocos medios. Hay ejemplos como el Homework de Daft Punk o el primer disco de The Strokes, que técnicamente suena horrible, pero transmite una energía y una frescura que impactaron mucho. Y sigue siendo su mejor disco. Recuerdo también un caso muy definitorio. Bruce Springsteen grabó la demo de su disco Nebraska él solito en un cuatro pistas de cassette. Luego entraron a grabar el disco oficial en un mega estudio y se dejaron la pasta en una producción de primer nivel. Lo terminaron, escucharon el master, pero les parecía más especial y más fresca la grabación hecha en el cuatro pistas. Finalmente el disco que editaron fue esa demo.

A nivel de buenos discos de electrónica de los últimos años, ¿qué destacarías?
Personalmente me encantan los primeros discos de Boards Of Canada. Y uno que me parece acojonante es el Melody A.M. de Röyksopp. Me gusta todo de este álbum: el sonido, los arreglos, la producción, las colaboraciones… Me parece redondo.

Has sido técnico de directo de Delorean y El Guincho. ¿Qué tal la experiencia con ellos?
Muy bien. Son bandas muy personales y es excitante enfrentarse a sonorizaciones suyas. Con ellos he aprendido muchísimo.

Es curioso, porque no es nada popular la figura del técnico de directo en los medios, y son parte esencial en la propuesta de muchos artistas.
Cumple un papel muy importante y además ha de ser casi un miembro más de la banda. Tiene que encajar, saber convivir con el resto de componentes y conocer bien la función que cumple cada uno en el grupo. Además ha de sintonizar y adaptarse al ritmo de la formación. Un grupo relajado no quiere tener a un técnico que a las cuatro de la tarde ya esté de juerga…

¿Técnico de directo de juerga?
O que después del bolo se va a tope de fiesta, vuelve por la mañana al día siguiente y está destrozado para la prueba de sonido. Hay grupos que lo toleran porque se destrozan todos juntos, pero hay otros que dicen: ‘Ni de coña, te he traído para hacer bien tu trabajo’. Tu cuerpo y tus oídos no estarán en facultades si sales hasta las once de la mañana.

Técnicos que se comportan como rock stars.
Sé de casos que han echado a técnicos por eso y casos de que no, porque es colega. Ojo, también hay técnicos que se petan por la noche y luego aguantan de puta madre.

Tengo entendido que no fue fácil para Delorean llevar su disco Subiza al directo.
Es un disco que les salió mucho de ordenador. Se encontraron con que habían hecho un discazo que no habían ensayado nunca. Pasar unos temas tan producidos al directo no es fácil, pero encontraron la forma, adaptando las canciones a la identidad de siempre de la banda. Ellos siempre han sido muy punks, en directo los samples los estrujan más, todos los bombos, que son electrónicos, Igor, el batería, los toca en directo. Sus canciones en directo cogían una dimensión muy interesante.

¿Con qué grupos has disfrutado más trabajando?
Con Deloran, El Guincho y Antònia Font. Con éstos últimos sigo flipando cada concierto. Llevaré con ellos unos 300 o 400 directos, pero jamás pierdo la capacidad de sorpresa. Improvisan mucho y les he visto convertir la misma canción en algo surrealista y dodecafónico, o en trash-metal. Son los Flaming Lips españoles. Además con ellos he aprendido mucho.

¿Y con quién te gustaría trabajar ahora?
Me gustaría mucho producir a Delorean, pero sé que su próximo disco se lo están cocinando ellos mismos. Han adquirido mucho y muy buen material y están trabajando para hacer crecer su sonido. Me gusta la forma de trabajo que tienen. Todos vuelcan ideas en el ordenador, se las van pasando y cada uno de ellos las va retocando hasta conseguir algo que les gusta a los cuatro. Es un proceso muy complicado, no me lo imagino en otra banda, pero es así como consiguen un sonido tan personal.

Más información

Facebook: Linn Youki