II Conferencias Cau d’Orella: Calidoscopio de pareceres
El pasado fin de semana se celebraron las II Jornadas Cau d’Orella que además de infectar a los clubs más destacados de la ciudad de Barcelona de música local también abrazó por segundo año consecutivo un ciclo de conferencias que tuve el honor y sobretodo el placer de organizar y dinamizar. Mientras se iban desarrollando pensé que sería buena idea resumirlas en unas cuantas declaraciones, espero no queden fuera de contexto, para el público que no pudo asistir. Aquí va lo más destacado de todo lo que se habló en la sala Calidoscopi, muy buen nombre para estas charlas por cierto, del Convent de Sant Agustí.

Reeditando el futuro (19h. viernes 30 de marzo)

En un mundo editorial en el que parece que está todo escuchado. En un mundo de categoría 2.0 en el que parece que todo se ha descubierto. En ese mundo, operan varios sellos que siguen investigando para devolver a la vida aquellos discos que no tuvieron suerte en un primer momento. En un mundo editorial ideal, uno en el que primara la música para escuchar más que la que está facturada exclusivamente para comprar, todos los sellos tendrían algo de Wah Wah Records, Guerssen o Domestica Records que participaron en la segunda charla del viernes 30.

Jordi Segura (Wah Wah Records)
http://www.wah-wahsupersonic.com/

“Una reedición se puede eternizar. Llevo ocho años preparando una y aún no sé cuando la voy a tener lista. Es que el artista en cuestión es muy hippie. Debes insistir mucho para que te envíe las fotos, el máster, te explique cómo concibió el disco para escribir las notas… A veces el tipo no tiene móvil. Algunos no tienen mail. Tienes que llamar a horas concretas para que te coja el teléfono fijo”.

“Claro que tenemos mercado pero nuestro público exige que el cariño que pones en tu trabajo quede reflejado en la obra que le estás vendiendo. El típico CD con dos hojas de nada como carátula además a un precio carísimo se cargó el mercado de la música. Porque la gente decidió bajárselo. El CD también tiene espacio en el mercado, pero a un precio de diez euros como muchísimo”

“Nuestro público es muy amplio porque ofrecemos un poco de todo. Hemos reeditado mucho progresivo y mucho folk pero ahora estamos investigando todo lo que tiene que ver con la electrónica francesa vinculada con el kraut alemán original”

“Alemania ya está expoliada. Ahora se lleva investigar en la onda de jazz británico con apuntes electrónicos. Te das cuenta con el tiempo que tanto Djs, como sellos como aficionados acaban centrándose en las mismas escenas aunque cada uno investigue por su cuenta”

“Para dedicarte a esto tienes que tener un buen almacén. Espacio suficiente para acoger todas las copias y además en situaciones ideales que no estén amontonados porque el cliente ya ha quedado claro que es bastante pulcro con el estado del disco”

“A mí personalmente me jode un poco que nuestro público esté fuera de aquí. Y encima, a la hora de enviar tu material, tienes que gastarte una pasta en el sistema de correos más caro de Europa. Djs británicos como Andy Votel sacan cosas que recibe buen feedback por parte de revistas como Wired pero tanto Guerssen como nosotros hemos sacado cosas igual de buenas o mejores, pero claro como aquí no nos hace caso ni Dios…”

Antoni Gorgues (Guerssen)
http://www.guerssen.com/

“Cuando llevas más de 100 referencias te ves forzado a abrirte estilísticamente. Y eso conlleva también lo de cubrir más espectro temporal. En Guerssen hemos trabajado el rock de garage, el rock progresivo y el folk que databa de 1965 a 1975, con los años hemos ido abriendo ese margen temporal porque también hemos descubierto cosas interesantes que se escapan de esas marcas temporales y hemos llegado a cubrir producciones que llegan a mediados de los 80. Nuestro público ha crecido con nosotros y por tanto acepta esos discos que hace un tiempo las hubiera tirado por la ventana”

“En nuestro caso creo que el factor más importante es el afán de posesión. Es un público bastante limitado pero muy fiel. El hecho de trabajar con discos caros y difíciles de encontrar nos ayuda precisamente a encontrar nuestra propia demanda”

“Estamos trabajando actualmente en el material de un cantante afgano de los años 70 del cual no se encuentra nada de nada, ni muchos menos en su país de origen donde obviamente no hay de nada y menos discos de la época originales. Mucho de su material quedó registrado en cintas y eso es un punto de valor importante porque está fuera del circuito. En este caso trabajamos bastante parecido a como lo hace Domestica Records”

“Lo más difícil de reeditar un disco es, sin duda, toparte con una multinacional que tenga los derechos. Porque te piden números sobredimensionados. Te piden ventas de más de 10.000 copias lo cual es una barbaridad en nuestro caso que vamos dirigidos a un público más especializado. Las “multis” cuentan con mucho material de los 60 y los 70 del que vendieron muy pocas copias. Probaron con cosas raras en la época para ver si sonaba la flauta y al final se quedaron en poquísimas ventas. Me he llegado a encontrar de rebote con material iraní que según el que me lo ha vendido me ha dicho que originalmente era propiedad del Sha de Persia. Te tienes que fiar de la buena fe de las personas. No te queda otra”

“Te puedes encontrar con el caso de que acabas reeditando un disco que es rarísimo porque no hay muchas copias en circulación y de repente a alguien se le enciende la lucecita y recuerda que en su almacén tiene 25 copias de ese ejemplar. Y aparecen las copias como por arte de magia. Pero no es lo más habitual”

“En muchos casos nosotros no podemos imprimir nuestra imagen y nuestro sello en según qué reediciones porque nos debemos a un diseño original. Si originalmente tenía una portada de cartón blanco igual si puedes darle tu toque a la obra a reeditar. Intentas reproducir el diseño original y embellecerlo con insertos propios, fotos, información adicional… que además es lo que te da va a dar el plus y puede que además consigas que alguien que ya tiene el disco se lo quiera volver a comprar”

“Lo del mito del público japonés que compra a mansalva ya se ha acabado”

“Nuestro público y nosotros mismos tenemos unos hábitos algo anticuados. Ahora mismo el Soundcloud, sin ir más lejos, le va un poco grande a nuestro cliente. Se apuntará a la red cuando ya no esté de moda”

Jordi Serrano y Carles Paneque (Domestica Records)
http://www.domesticaorder.com/

“Empezamos de cero. Nuestro trabajo de investigación le debe mucho a los blogs y a la gente que se esforzó por subir música en formato digital que inicialmente se compraba únicamente por catálogo y no entraba en los circuitos digamos convencionales. La cobertura mediática es importante pero en nuestro caso lo es más tener un producto trabajado y de calidad. La mejor producción es ofrecer una cosa bien hecha: como a nosotros nos gustaría que nos presentaran ese material. Nuestro público también está abierto a sonidos diferentes, aunque nuestra línea se basa principalmente en electrónica, new wave y cold wave que se publicó de manera casera en los 80. Nuestro público es crítico y eso le facilita afinar más la compra”.

“Nosotros enseñamos la limpieza de cara de un disco que en su día ni siquiera se llegó a editar, como mucho se mandó por correo a 20 personas por decir una cifra. En eso tiene mucho que decir nuestro experto en mastering Yves Roussel”

El espíritu del sonido (18h. sábado 31 de marzo)
(con el técnico de mastering Yves Roussel)

El otro día recibí la nota de prensa de la nueva referencia de un sello que decía que el disco estaba masterizado por Yves Roussel al que ya conoceréis por el artículo que le dedicamos hace apenas un mes. Para los que no lo conozcáis decir que Yves Roussel trabaja en su estudio de Barcelona sacando brillo, entre otros logros, a publicaciones que durante tiempo crían polvo en archivos recónditos. El sello Domestica Records, por poner un ejemplo en boga y al que también le dedicamos un especial, pone a prueba la pericia de Yves en cada una de las entregas de new wave ochentera que va descubriendo por las rendijas de la historia musical de este país (por norma la más olvidada y reivindicable). Yves nos habló el sábado 31 de la filosofía que se esconde detrás de sus monumentales trabajos taxidérmicos.

Yves Roussel
http://www.yvesroussel.com/

“Descubrí que los daños que sufre una cinta durante los años que permanece guardada en un cajón se podían aprovechar para dotar de un sonido específico a las publicaciones del sello Domestica que a veces me ha traído cintas en un estado muy precario. De ahí hemos sacado un sonido original. De un accidente he llegado a descubrir nuevas técnicas de trabajo”

“El de Domestica no es un trabajo de mastering convencional entre otras cosas porque no tengo al artista al lado y por tanto no puedo preguntarle qué es lo que quería conseguir. En estos casos debo interpretar”

“A mi estudio viene mucha gente pidiendo un sonido “vintage”. El primer trabajo en estos casos es sentarse con el artista e investigar qué es exactamente para él este tipo de sonido. Es entonces cuando tengo que hacer de psicólogo. Es el momento de entender al artista, lo cual no es fácil porque hablar de sonido es complicado”.

“Tenemos muchas más herramientas para trabajar y tenemos muchas más posibilidades para reproducir un sonido vintage o un sonido digital. Lo que me extraña es que estas nuevas técnicas no tengan un reflejo creativo en el mercado”

“Me lo paso mejor cuando el artista ha intentado crear que con uno que me dice que quiere sonar a un grupo ya existente. Aunque también supone un reto que un grupo suene, por ejemplo, a Green Day”

“Trabajar con un artista de una “major” es más fácil. Entre otras cosas porque hay mucha gente involucrada en el disco que sabe perfectamente cómo debe sonar ese artista que también cuenta con un recorrido que ayuda a que tenga las cosas claras. Es que trabajar el sonido requiere de mucha experiencia. Y la gente que trabaja en esos sellos por lo general sabe lo que se hace”

“Si el músico quiere que haga una cosa en concreto y yo creo que no van por ahí los tiros… pues se habla y ya está”

“Lo que debemos tener en cuenta en cada caso es que ahora coinciden en el tiempo muchas fuentes de consumo de sonido diferentes como MP3, Wav, CDs, vinilos… Una cosa es como se escucha el disco en mi estudio y otra muy diferente es cómo la va a escuchar el público”

Nuevos festivales, nuevas propuestas… ¿En un mercado colapsado? (17h. sábado 31 de marzo)
La primera de las charlas del sábado 31 de marzo tenía como protagonistas a los responsables de tres nuevos festivales que se han hecho un hueco en el panorama de este tipo de eventos musicales en nuestro país. La charla giró en torno al valor añadido que aportan estos festivales, a priori modestos en sus formas y en sus presupuestos, pero muy ambiciosos a la hora de romper con el paradigma de lo que debe sonar en un encuentro de hechuras minoritarias. Tres opciones que además han nacido en medio de una gran crisis económica para aterrizar en un sector colapsado por grandes ofertas con grandes presupuestos:

Alberto Nerone (Micro-Mutek)
http://www.facebook.com/MutekSpain
“¿Puntos fuertes de nuestra propuesta? Pues yo catalogaría a Micro-Mutek como un encuentro. Pasa igual con el festival matriz que se celebra en Canadá desde hace 12 años. Cuenta con bastantes subvenciones para que los periodistas puedan viajar hasta Montreal. Montreal no es Barcelona, tiene menos atractivos y eso provoca que la organización esté interesada en atraer a periodistas y artistas hasta el festival nodriza. Nosotros también intentamos que el artista consuma el festival y para ello intentamos que se queden cinco días en la ciudad. De hecho los feedbacks más recurrentes que recibimos tienen que ver con la calidez que generamos entre las partes implicadas. Nosotros damos mucha importancia a crear redes o networking con sellos, artistas y demás plataformas involucradas en nuestro sector. No hacemos branding ni vendemos cervezas, intentamos integrarnos en la ciudad, el cincuenta por ciento de los artistas son de aquí. Existen vínculos reales entre el gobierno catalán y el de Quebec que buscan promocionar a los artistas de ambas partes del océano”

“Los artistas están anunciados en el cartel por orden alfabético y con el mismo tipo de letra”

“El material que recibimos lo hacemos a través del correo, sin ningún filtro previo, ni ningún tipo de subjetividad al margen de la propia música per se”

“La gente ha dejado de consumir prensa y ha empezado a escuchar música. Y eso es importante para que propuestas como la nuestra tengan un buen recibimiento. Hay como una reacción de protesta entre el público que se desvía hacia propuestas minoritarias como la nuestra”

“Lo importante es no perder tu punto de vista artístico que además será el que te dote de una imagen en el sector”

Albert Salinas (Mira!)
http://www.mirabcn.cat/
“Teníamos muy claro que todo esto nacía de la ilusión. Sabíamos que existí un vacío en cuanto a festivales audiovisuales en Barcelona. Tuvimos la suerte de toparnos con un lugar virgen en estos menesteres como la Fabra i Coats que es un espacio con muchas posibilidades y que no está muy explotado. Al comenzar a montar el festival no teníamos muy claras las directrices pero a medida que íbamos progresando nos dimos cuenta de que las premisas eran que la apuesta musical y visual provinieran de propuestas ya trabajadas en conjunto y al mismo nivel. Buscábamos vanguardia y exploración en proyectos que la gente todavía no hubiera visto en directo”

“Por el festival pasaron unas 1300 o 1400 personas durante la única jornada del festival. Y seguiremos con un solo día. No tenemos ánimo de lucro. Todo lo que ganamos el año pasado lo invertiremos en la edición de este 2012”

“Nuestro público sabía a lo que venía. Un público que quiere consumir este tipo de festival electrónico no tan encarado a un consumo de tipo pop. La nuestra no es música de primera escucha. Un público que no cuenta con alternativas en Barcelona ahora mismo”

“Hay que especializarse y desmarcarse de las propuestas de los festivales mayoritarios. Algunos festivales que han intentado hacerle la competencia a los grandes, como las propuestas de Sinnamon con sus Summercase, Ola, Daydream, Forward o Weekend Dance, acabaron pereciendo por selección natural”

Dani Guijarro (L’Estrany Festival de Banyoles)
http://estrany.info/

“Hubo un tiempo en que se podía disfrutar de una escena de clubs bastante potente en la provincia de Girona que atraía a público del resto del Estado y del norte de Europa. La sala del Cel, Rachdingue, Blau… clubs a los que iban los que ahora tiene unos años más que nosotros. Tanto oir hablar de aquella movida nos movió a crear la nuestra. También somos una asociación sin ánimo de lucro, así que si viene gente bien y si no también. El festival se financia con una pequeña subvención de tres mil euros que nos proporcionó un regidor que iba precisamente al Rachdingue. La asociación genera también unos ingresos de una barra que montamos en la fiesta mayor. Los únicos que cobran en el festival son los artistas. Lo que programamos intenta esquivar lo que se programa en Girona que es siempre más de lo mismo. Intentamos que la ubicación del escenario cambie de ubicación cada noche, la ciudad tiene puntos de vista que merecen resaltarse en cada jornada”

“Nuestro público es diferente del que disfruta el Mira! Entre otras cosas porque nuestro público nunca sabe exactamente lo que se va a encontrar. Si fuera por el público joven local tendríamos que programar artistas de hard-techno y otras movidas raveras importadas de Francia. De hecho, siempre dejamos algo potente para el final para que no se quejen los más jóvenes. Por lo demás, llegamos a programar a un cuarteto de música clásica”

“De aquí a cinco años estaremos igual. Entre otras cosas porque el ayuntamiento no tiene pensado gastar más en nosotros. Nos da un poco de pereza ir a buscar subvenciones. La segunda o tercera ocasión en la que nos dijeron que no decidimos que ya no pediríamos más. A nosotros lo que nos gusta es programar lo insólito”

Los 80s a destajo (según Raúl Orellana y Peter Pons) (19h. sábado 31 de marzo)
La última charla de las II jornadas Cau d’Orella versaba sobre la cultura de clubs en los 80s y contó con la presencia de Raúl Orellana al que sobran las presentaciones ya que es el responsable de uno de los primeros fenómenos de masas de la cultura del Dj con su residencia en el Studio 54 de Barcelona. Además es autor de aquel entrañable megamix llamado Bolero mix con que se inició la fiebre de las mezclas en reñida competición con la saga Max Mix. Al otro lado del ring se encontraba un Dj algo menos conocido, algo menos veterano, pero baluarte al fin y al cabo del trabajo del Dj old school –ecléctico en su mejor versión, abierto de orejas y servidor de los clientes de su club- que intentó reivindicar con las fiestas “Decline and Fall of Club Culture Empire” que organizó en 2010 en Becool junto a Ángel Molina.

Raúl Orellana
http://www.raulorellana.com/
“Llevo 35 años poniendo música. Es una vida completa dedicada a la música. Los Djs de mi edad tenemos una filosofía que no sólo tiene que ver con la manera de pinchar sino también de ver el trabajo de un Dj. Por lo que veo en la actualidad, a la gente joven parece que le gusta que le pongan las cosas fáciles. A mí me ha llegado a pasar aquello de trabajar seis horas seguidas para que el dinero se lo llevara el Dj residente de turno que sólo aparecía por cabina diez minutos antes de finalizar la sesión para llevarse la pasta y los honores. Tragábamos porque queríamos trabajar en eso. Si, yo ya hice de “negro” en cabina. Antes de entrar en el Studio 54 conseguí enchufarme en el Centro Cultural de los Ejércitos. Al principio el Dj oficial me dejaba poner los temas “lentos” mientras él se iba con la novia a darse el “filete”. A las pocas semanas ya era yo el encargado de abrir y poco después hasta me encargaba de cerrar. El Dj oficial volvía a cabina a unos quince minutos de acabar hasta que llegaba el coronel de turno y le pagaba. Y a mí me decía, hasta mañana”

“A finales de los 70 en los locales de noche de Barcelona se pinchaban unos temas lentos a mitad de la sesión para que los clientes se pudieran dar el lote, la media hora de lentas era como la señal que justificaba el acercarse hasta una chica. Eso ocurría en todos los locales menos en Studio 54 que rompió con todo eso. El que ponía discos era el diferente de la discoteca”

“En mi vida artística he intentado distinguir el concepto de Dj puro del de Dj-productor. Del primer tipo quedan ya muy pocos. Ahora todo el mundo se excusa en la necesidad de pinchar para ponerse a producir música”

Peter Pons
http://www.myspace.com/djpeterpons

“El Dj-productor ha ganado contratos con su trabajo que en realidad está concebido como un artefacto de promoción. Con el pop montabas un grupo y salías al escenario a vender tu producto en directo con tus temas. El Dj-productor se asemeja a ese grupo de pop porque presenta temas suyos en directo que a fin de cuentas están concebidos para presentarse al mercado. De tal modo que este tipo de Dj es el que se ha impuesto en las cabinas, a veces sin acabar de dominar los secretos de la profesión de Dj puro. La calidad de las sesiones se resiente pero por lo que me dicta la experiencia la gente no se queja. Es más muchas veces se traga todo Dj estrella que le echen. No he visto nunca abuchear a un Dj. Todo el mundo permanece en la pista. Con lo que a efectos técnicos, ningún Dj lo ha hecho mal. Por eso digo que Raúl y yo somos los últimos de una estirpe de Djs profesionales. Yo iba a trabajar todos los días de 12 de la noche a 6 de la mañana de martes a domingo. Estuviera la sala llena o vacía. Normalmente éramos dos. Mientras uno pinchaba los discos, el otro ponía las luces y en el descanso nos intercambiábamos las posiciones”

“Nosotros adaptábamos a nuestros sets las nuevas tendencias que nos llegaban en materia de new wave, pop, house de Chicago y del de Inglaterra, más vocal, más garage house… La técnica de nuestra manera de pinchar era lo que se conoció como balearic y que tuvo a Dj Alfredo como Dj más conocido. No tenía ningún misterio, poníamos todo lo que nos parecía adecuado. Los ingleses de la época para eso eran más estancos. Si por norma pinchaban house rara vez se les escapaba un disco de raggamuffin. Los de mi generación teníamos pasión por probar diferentes estilos en una misma sesión. El jefe de la sala era el que mandaba y el que te pagaba a fin de mes y el que se acercaba a la cabina para decirte que tenías que poner algo más comercial porque la gente se iba de la pista. Entonces ponías un Tecnotronic y al rato le ponías algo más curioso o como se diría ahora “underground. Por cierto que al tiempo me enteré por una cuestión legal que no pertenecíamos al gremio de hostelería si no que a efectos legales nos incluían en el del mundo del espectáculo. ”

“Era la época de los afters hours, recuerdo el de Plaza Goya que creo que fue el primer after grande. Ozono, Distrito Distinto…Locales donde se podían asumir riesgos porque a) la gente iba a desfasar y b) era el sito donde la gente de las discotecas a las que les gustaba aquella música se tomaba una copa como currelas que éramos. Aquellos afters eran de los pocos canales alternativos para escuchar música de pista pero más arriesgada que en las discotecas convencionales. Se daba un intercambio de información bastante valioso para el que estuviera interesado en descubrir nueva música. A todo el mundo que ha pasado por mi cabina le he dicho qué era lo que estaba poniendo y donde podía comprarlo. Por cierto que también he trabajado en muchas de las tiendas más importantes de Barcelona: Virgin, 12 " Music, Sci-Fi, La Casa… ”

“A los productores les falta la picardía del Dj que lleva años en cabina. El productor es como un expositor del producto y acaba siendo monótono. Algunos no saben ser Djs y ni siquiera ponen sus discos porque quieren justificar un papel que probablemente no les toque ocupar. Total que muchos de esos productores que se meten a Dj no te atrapan porque no han llegado al bagaje del Dj de toda la vida”.

“Lo que me llamaba la atención de Studio 54 es que importaban música de gente como Talking Heads, en vez del italo house hortera imperaba en los locales de la zona. Escuchar a Tears for Fears en una discoteca tan grande a mi me sorprendía”.

Raúl Orellana
“Tuve la suerte de conocer en una gira de estas que me montaban para promocionar mis discos a Paul Oakenfold que por entonces era residente del Heaven de Londres. En su mismo club me comentó que la primera vez que llegó a Ibiza se extrañó que todo el mundo estuviera tan de buen rollo y que además el público asimilara una música tan variada en sus sesiones y que siempre recibieran los temas con una sonrisa. A la vuelta de Londres les explicaron que era porque la gente iba drogada. Un poco después Oakenfold y algunos de esos amigos como Danny Rampling importarían el sonido balearic a Inglaterra y después se lió la que se lió”

“A mí me daba vergüenza poner mis temas en mis sesiones. Entendía que debían ser los otros Djs lo que los pincharan. Por eso no entiendo muy bien la figura del productor que se pasa a Dj y acaba poniendo únicamente sus temas y sus remezclas. Incluso en mi momento álgido con Bolero Mix o incluso después cuando ya empecé a sacar temas propios como The Real Wild House o Guitarra intenté diferenciar muy mucho mi actividad como Dj con mi faceta de productor. Mi filosofía siempre era la de tener el control absoluto de lo que estaba haciendo. Por eso era un Dj de mi casa que era Studio 54. No concebía ir a un club para pinchar dos horas sin saber cómo iba a sonar aquello ni cómo iba a reaccionar el técnico de sala si por lo que fuera fallaba el sonido. Eso de ir dos horas a pincha a un club donde no sabía a quién me iba a encontrar no iba conmigo. Me tiré doce años yendo al club tarde y noche, viernes tarde, sábado tarde y noche y domingo tarde. No llegué a faltar ni un solo día”.

Peter Pons
“Cuando tienes que justificar un caché de 50.000 euros ya no puedes pinchar para ti mismo”

“El Sónar antes no compraba cabezas de cartel, los creaba. Fatboy Slim, que a mí me encantaba por cierto, está programado para la edición de este año antes no tenía sitio en este festival”

“Yo quiero huir definitivamente de los 80s. Es como el cuñado pesado que no se va nunca de tu casa. Ahora toca reivindicar los 90 en profundidad. Fue la década en la que se crearon las conexiones mundiales, los entramados entre productores especializados en la música de clubs”

Clase práctica: promocionemos y difundamos tu obra (18h. viernes 30 de marzo)
Esta fue la primera charla de las Jornadas Cau d’Orella que he puesto en último lugar porque tiene un componente más local, por la presencia de una entidad pública catalana, aunque si habéis llegado hasta aquí avisaros que el resumen os puede ser de utilidad práctica. Porque es una charla concebida y dirigida para aquellos productores o artistas que no cuentan con un presupuesto destacado a la hora de dar a conocer su obra. Que no haya dinero no quiere decir que uno no pueda acercar su trabajo a una audiencia, cada vez más atomizada, eso sí, tal y como nos descubrieron David Domingo, consultor en música digital, que nos hizo un repaso de los puntos claves para la promoción de música en un medio como internet. También hablamos con de los Servicios de internacionalización y soporte al sector musical de Catalan Arts! con Eva Benedicto como representante.

Eva Benedicto
Catalan Arts! es una marca creada por el área de promoción internacional del Instituto Catalán de las Empresas Culturales que depende del departamento de cultura de la Generalitat de Catalunya. Es por tanto una entidad pública que busca promocionar a artistas catalanes fuera de Catalunya con base en Barcelona y sedes en París, Londres, Milán, Berlín, Bruselas. Coordinamos diferentes actividades como asistencia a ferias y una línea de ayuda económica para asistir a esas ferias. Tenemos más de 20.000 entradas con contactos a profesionales extranjeros. Y la parte de comunicación que tratamos a través de la web con dos partes bastante útiles: la sección de convocatorias de festivales que buscan artistas y la agenda de con artistas catalanes participando en esos mismos eventos.

David Domingo
Para que el taller tenga un aliciente más práctico os voy a citardDiez trucos de sentido común que deberíais a utilizar en el espacio on line. Me llegan muchas promociones y he visto muchas cosas que estaban bien y muchas otras que estaban mal. Para empezar uno debe crearse una web para tener el control absoluto de toda la información que generes y además te permite presentarte ante tu público con una imagen artística bien definida que demás aportará valor a tu obra. Con esta web tendrás que generar contenidos relevantes –fotos, textos, vídeos…- que además te facilitará el feedback con tu público que es muy importante para tomar contacto con lo que te rodea. La música que es tu tarjeta de presentación debe estar presentada de manera clara, lo más fácil, un player ya sea de Soundcloud o de Mixcloud. Mima tu música que es tu activo más importante. Tu música debe estar a un click.

Si abres un perfil en una red social no lo dejes morir, mejor no participes de esa red. Mejor no vincular tus diferentes cuentas para que aparezcan los mismos contenidos en todas ellas. Es decir, aprovecha las características de cada red para adaptar tu mensaje y presentarlo lo más personalizado posible. Cada red denota un estilo y una actitud diferente. Escucha a los fans y a la gente que te sigue porque pueden convertirse en tus “evangelistas”, tu audiencia es otro de los activos más importantes que además te servirán de altavoz. Darle visibilidad a ese fan tuyo es como un premio para él que va a darte cancha en lo que hagas. Entonces cuida a tus embajadores, dales cariño. Intenta innovar con la comunicación, como no eres un grande ni dependes de un sello grande, arriésgate que no cuesta nada y encima puede sonar la flauta.

Facilita el contacto con quien te esté buscando. Aunque parezca mentira con la gran cantidad de medios de comunicación que existen hay veces que me las he visto y me las he deseado para encontrar el mail de un artista. Y no descuides la info en inglés, piensa que el futuro puede estar ahí afuera y que no es tan descabellado pensar en tu cobertura internacional. Muchos artistas de aquí cuentan con más bolos en el extranjero. Por eso mismo, sé constante y se paciente. Dedicarse a la música es una carrera de fondo.